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Colloquium 4 Abstracts 

Women in Death, Women as Death,

Women on Death

SIGRID SCHADE

Zeigen Repräsentationen des Todes (nur) den Tod?
Zum Verhältnis von Tod, Weiblichkeit und Schaulust in der visuellen Kultur

Der Tod gehört zu den Dingen, die der menschlichen Vorstellung (zu Lebzeiten) ebenso unzugänglich bleiben wie Begehren, Schmerz und Lust. Nicht ohne Grund haben TheoretikerInnen der letzten zwanzig Jahre deren Nichtdarstellbarkeit in einer Weise zu reflektieren versucht, die gleichwohl erhellen und begründen soll, dass gerade deshalb dieser Nichtrepräsentierbarkeit eine Unzahl von visuellen Darstellungen gegenübersteht.
Im Kontext dieser Diskussionen werden immer wieder anthropologische Festlegungen (Tod, Lust, Schmerz als Natur und Konstanten menschlichen Lebens) und historische Varianten (Tode als historisch differente Konzepte, die von differenten kulturellen Praktiken und Deutungen begleitet werden) gegenübergestellt oder gegeneinander ausgespielt.
Wenn man visuelle Repräsentationen des Todes als Teil eines kulturellen Textes versteht, in dem der Verweisungscharakter, der allen Signifikanten eigen ist, dafür sorgt, dass Repräsentationen des Todes mehr als den Tod darstellen, dann gerät die Frage nach der Struktur der Darstellung in den Vordergrund – und zwar die Frage danach, wie dieses „mehr“ als der Tod sichtbar wird oder zur Sprache kommt und Wirkungen erzeugt. Visuelle Darstellungen, in dem das Todesbild mit dem Körperbild verbunden wird (eine historische Variante), erzeugen zum Beispiel über eine Naturalisierung des Körperbildes auch eine des Todes – oder im Falle der Verknüpfung mit Weiblichkeitskonzepten eine Naturalisierung dieser Verknüpfung. Das heißt, dass in den Tradierungen der Todesbilder historische visuelle Muster geschlechtsspezifischer Zuschreibungen sich wiederholen, andererseits aber auch Verschiebungen. Dabei spielen das Zu-Sehen-Geben und die Adressierung der Betrachter eine zentrale Rolle im Prozess von Erinnerung und Aktualisierung..
In meinem Beitrag möchte ich dies an Fallbeispielen der bildenden Kunst vom 16. bis zum 19. Jahrhundert im Sinne einer semiological inquiry (Bal, Bryson) aufzeigen.

JILL BEPLER

Women in death – the German funeral book of the early modern period.

It is estimated that 250.000 funeral sermons have survived from the German-speaking territories of the early modern period. The Protestant printed funeral book, popular from the mid-16th century to the mid 18th-century, is a specifically German phenomenon. It had its counterparts in other countries, but nowhere did its popularity or distribution even faintly resemble that in the German territories. This was a genre which obviously reached a large reading public seeking devotional literature, and with its funeral biographies it provided role models both of exemplary living and exemplary dying. Women were particularly avid readers and collectors of such texts. It is, however, also the genre in which women themselves become visible in the early modern period and it is the strategies by which they were represented, especially in their preparation for and confrontation with death, which will be the focus of this paper. Patience and suffering in the face of extreme suffering, the readiness to be a "Kreuzträger/in" as the hallmark of a true Christian, make illness, and especially the final illness, a test of endurance to which those who were involved were called upon to bear witness. Descriptions in the funeral sermons are thus often harrowingly graphic in their physical detail, regardless of the social station of the person involved. The authors of funeral sermons were of course men, who had the greatest power over how the lives of the women would be documented for posterity. However, women gained a voice in these texts in various ways: by leaving instructions for readings from the Bible at their funerals, by choosing hymns or writing prayers, by designing their own coffins and their inscriptions, or even by writing their own biographies to be used in the composition of the "Lebensläufe" read out after the service. They could influence the ways in which others were remembered by writing poetry for the funeral publications of their relatives, children or friends or commissioning and overseeing the production of the works themselves. The paper will look at a selection of funeral books and some closely related devotional works, mainly from Nürnberg, in the 17th century.

JUDITH AIKIN

‘Ich sterbe’:  The Construction of the Dying Self in the Advance Preparations for Death of Lutheran Women in Early Modern Germany

“Wer weiß, wie nahe mir mein Ende”--so begins the song preparing for death that is still included in today’s Lutheran hymnal.  Johann Sebastian Bach loved this hymn so much that he made it the basis for a chorale.  And countless women (and men) have incorporated this song into their sickbed and deathbed activities since its first inclusion in a hymnal in 1687.  The author was Aemilia Juliana, Countess of Schwarzburg-Rudolstadt (1637-1706).  Being ready for the unknowable hour of death is the theme of dozens of her songs that have made their way into devotional handbooks and hymnals ever since.  The key was to view herself as perpetually dying.  The dying self is vividly present in her songs for childbirth, illness, and deathbed, but it is also the central theme in songs for the hale and hearty to employ in their daily or weekly contemplations of mortality.  In her letters, too, Aemilia Juliana constructed herself as dying in the midst of maintaining an active practical life as ruler’s consort, author, businesswoman, and wife and mother.  A third of her 420 surviving letters employ a formulaic ending with her signature preceded by the phrase “ich sterbe,” often in the context of conveying news about a sudden death.  For example, in one letter she says, “It is reported that Griesheinen died in Mörseburg of a breathing attack, may God console those who mourn his demise and preserve everyone from such a death through His fatherly love, into whose protection I entrust you and die, A[emilia] J[uliana].”  Preservation from the spiritual catastrophe entailed in such a sudden death was to be found in constant awareness of one’s own mortality.  This paper will examine several of the song texts she produced for advance preparation for death and offer evidence about how such texts were used by other women.

KATHRIN HOFFMANN-CURTIUS

Visualisierung des Terrors in Deutschland 1918/19

Die Personalisierung der Revolution 1918/19 in der damaligen Bilderpolitik wird im Kontext von Plakaten, Pressefotografien und -zeichnungen und mit Blick auf die Geschlechterverhältnisse diskutiert. Im Mittelpunkt der Untersuchung steht das Litho "Martyrium" [von Rosa Luxemburg] aus der Folge "Die Hölle" von Max Beckmann aus dem Jahr 1919. Die  Analyse des Mordszenarios lässt die Gewaltdarstellung in der Verarbeitung linker und konservativer Bildpropaganda, der Entnennung der "Heldin" und der geläufigen Allegorisierung des Weiblichen als ein genaues Bild des militärischen Terrors gegen die Führerin der Spartakisten erkennen. Die Darstellungsweise in der tradierten Komposition eines Historienbildes erzeugt Empathie für die gefolterte Heldin, ein äußerst probates Mittel bis auf den heutigen Tag.

BARBARA BECKER-CANTARINO

Der Weg in den Tod: Caroline von Günderrode und die „neue Mythologie“

Das Werk von Caroline von Günderrode gerät unter Friedrich Creuzers Einfluss in einen eigentümlich ähnlichen Horizont von Mythos und Symbolik, der für Günderrode tödlich ist. Mein Vortrag zeigt im Vergleich der Texte „Der Kanonenschlag oder das Gastmahl des Tantalus“ (1800/01?) und „Magie und Schicksal“ (1805) die zunhemende Bedeutung von Mythos in der Nähe ihrer engen persönlichen Beziehung (ab 1804) mit Creuzer  auch im den Kontext der zeitgenössischen Begeisterung und Faszination von Mythos und Symbolik, der sog. „neuen Mythologie“.  Als (nach entsprechender Lektüre) dem deutschen Idealismus nahe stehende Dichterin wählte Caroline von Günderrode in ihrer Dichtung (besonders Melete, 1806) Stoffe der alten – orientalischen, griechischen, nordischen – Mythologien um in fernen Zeiten und Orten, dem „Morgenland“, „Kaukasus“, „Indien“ als mythischer Quelle von Erkenntnissen und Ideen über Leben, Tod und Kunst dichterischen Ausdruck zu finden. In ihrer Dichtung wollte sie Mythologie der Zukunft schaffen:  „Es leben deine alten Götter noch./ Sie leben, neu die Welt sich zu erzeugen“ (Udohla), eine Art von Korrektur der Aufklärung in der „neuen Mythologie.“  Günderrode und Creuzer, arbeiteten an einer Mythen-Religion, glaubten an einen symbolische Wahrheit enthaltenden Mythos, der die Geschichte überdauert. Ich werde zeigen, wie Caroline von Günderrode einem atavistischen, misogynen Mythenkult folgend ihre Liebe in einen mythischen Todeskult verwandelte und in den Tod ging, während Creuzer mit seiner als Wahrheistreligion verbrämter, romantischer Mythologie als Star der Philologie in Heidelberg wissenschaftlich Karriere machte. Ich schließe mit einem Ausblick auf die Rolle von Mythologie und Misogynie in der Kunst(Malerei) des 19. Jahrhunderts.

ABIGAIL DUNN

‘Ob im Tode mein Ich geboren wird? The Representation of the Widow by Hedwig Dohm.

Hedwig Dohm’s (1831-1919) novella Werde, die Du bist, published in 1885, is the moving story of a middle-aged widow’s struggle to find a voice and an identity. In her political essay, ‘Der Frauen Natur und Recht’ (1876), Dohm lays bare predetermined and prevalent male ideas of women, which run from antiquity to the late nineteenth-century. These fixed ideas come to define the heroine, who is in turn unable to find a private language in which to break free from these stereotypes and establish her own sense of self. The idea that a widow is invisible in society is addressed and strengthened by Dohm as her protagonist is simultaneously going through the menopause. She is thus suffering a ‘double death’, that of her husband and of a lost youth. My paper will examine this depiction of the widow as a liminal figure between life and death and as a figure who is defined by a ‘lack’.

ÁINE MCMURTRY

Liebe ist ein Kunstwerk:  The Appeal to Gaspara Stampa in Ingeborg Bachmann’s Todesarten

Ingeborg Bachmann, one of the most significant German-language writers of the post-1945 period, continues to provoke critical debate more than thirty years after her death.  This paper examines how consideration of the recent, controversial collection of draft poems from the early 1960s, Ich weiß keine bessere Welt (2000), casts new light on the genesis of the acclaimed Todesarten prose.  By focusing on the central love-death complex in the author’s oeuvre, the paper is concerned with the literary project to turn the experience of romantic desolation to positive aesthetic account.  When considering the particular context of the early 1960s, defined by the crisis that followed Bachmann’s romantic separation from Max Frisch and his 1964 publication of the autobiographical Mein Name sei Gantenbein, the effort to communicate through the act of writing emerges as crucial to the bid for survival.  Through examination of shifting allusions to the Italian Renaissance poet, Gaspara Stampa, the paper traces the gendered effort to situate the modern German writing in the Western lyric tradition of lovers’ protest and cultural critique.  The Stampa motifs are shown to be transposed from the lyric drafts of the early 1960s to the later prose of Malina where, amidst a constellation of artist figures, the Italian poet appears as a sister.  On the one hand, the ongoing preoccupation with the love experience will be shown to relate to the author’s mature project to expose those deathly drives structuring intimate human relations and, on the other, it will be associated with the communicative impulse underlying her aesthetics, a utopian counter-strand that gestures towards alternative forms of interaction and being.

RUTH SEIFERT

Frauen und Krieg: Die Position der feministischen Friedensforschung in der Bundesrepublik.

Die feministische Friedensforschung in der Bundesrepublik hat zur Frage "Frauen und Krieg" bzw. "Frauen und Frieden" einen Standpunkt bezogen, der lautete: Es gibt für Frauen als politische und geschlechtliche Subjekte keinen politischen oder wissenschaftlichen Standpunkt in ihrer Positionesbestimmung. Frauen haben, wollen sie sich nicht als Frauen desavouieren, einen "vollgültigen Widerspruch" zu Militär und Gewaltanwendung zu leisten. Diese Position, die im wissenschaftlichen Diskurs im Vergleich mit  akademischen Diskursen zu diesem Thema in anderen Ländern kompromisslos war soll vorgestellt und auf seine logische Stimmigkeit und politische Wirkung hin untersucht werden. Schließlich soll - ansatzweise - der Versuch gemacht werden, ihn in der Konstruktion von Weiblichkeit in der Bundesrepublik zu verorten.

CHRISTINE EIFLER

„Das Sterben der Unsterblichen“. Gender und Militär in der DDR

In der Propaganda der DDR war der Schutz des Friedens der zentrale Wert und gehörte neben dem `Antifaschismus` zu den Übereinkünften vieler BürgerInnen mit ihrem Staat. Der offizielle militärische Friedensbegriff manifestierte sich in der Losung, „Der Friede muss bewaffnet sein“. Er wurde begleitet von polarisierenden militärischen Genderkonstrukten. Demzufolge waren Männer, militärische Kämpfer, `unbesiegbar` und `unsterblich`, und bezogen aus ihrem Monopol an politischer und militärischer Gewalt männliche Identität als Individuum und als Gruppe. Frauen hingegen wurden als verletzbar konstruiert, hilflos gegenüber drohenden Kriegen, mit Interesse an (vielen) Kindern,  die sie uneigennützig hegen und erziehen. Darüber hinaus sollten Frauen den Prozess der männlichen militärischen Selbstaufwertung unterstützen. Männlichkeit wurde insgesamt durch die Inkorporation soldatischer Elemente ausgefüllt. Zivile und militärische Männlichkeit verschmolzen: Die Konstruktion militärisch-beschützender Männlichkeit wurde als funktional auch für weitere Bereiche des gesellschaftlichen Lebens angesehen. Im Ergebnis existierte ein umfassendes System männlicher Vergemeinschaftung, deren militärische und nichtmilitärische Momente sich durchdrangen und gegenseitig abstützten. An der widersprüchlichen öffentlichen Wertung der wachsenden Einbeziehung von Frauen in die Nationale Volksarmee (NVA) in den 1990er Jahren lässt sich der Antagonismus zwischen der staatlich betriebenen (Teil-)Modernisierung der weiblichen Geschlechterrolle einerseits und ihrer Rücknahme im Zusammenhang mit der Sicherung männlicher Macht andererseits zeigen.

MERERID PUW DAVIES

Miss(ing) Saigon: Women in West German representations of Vietnam (1966-1973)

The proposed paper is part of a larger analysis of representations of the Vietnam conflict in the culture of the FRG in the 1960s and 1970s. Many West Germans perceived parallels between their country and the similarly divided Vietnam. Furthermore, memories of recent war and atrocity in Europe meant that in the Federal Republic, perceptions of war and atrocity elsewhere were strikingly overdetermined. Thus, a symptomatic reading of responses to conflict in the present is highly revealing not about Vietnam, but about the post-war Federal Republic itself.

I analyse images of women in West German writing about Vietnam, notably protest poetry and travelogues, because, as the critic Susan Jeffords has put it in relation to writing from the US: “Although war might [...] seem to be a ‘man’s world’ [...] the representational features of the Vietnam War are structurally written through relations of gender.” (Susan Jeffords, The Remasculinization of America: Gender and the Vietnam War (Bloomington and Indianapolis: Indiana University Press, 1989), p. xi.) Close readings demonstrate extraordinarily consistent, schematic representations of Vietnamese women which contradict both what was known at the time of the real, historical situation of women in Vietnam; and changes in and challenges to women’s lives in West Germany too. Indeed, so strong is the pull of such representations that even texts which draw on documentary sources showing Vietnamese women engaged in fighting and resistance re-write those sources in a way which is both spectacular and surreptitious.

The paper proposes ways in which these images of women may be understood in the context of German (literary) culture more broadly, and post-war West Germany in particular. They may be understood as (unconscious) recourse to, and replications of, the anxieties of immediate post-war West Germany; and of the high and popular culture which encoded them. In particular then, these images cast light on fissures and ambiguities in the writing, politics, psyche and memory of 1960s protest movements; and on those movements’ generally unacknowledged and problematic participation in a longer tradition of post-war memory in which gender is a key touchstone.

SIMON RICHTER

Lola Doesn’t: Cinema, Death and Desire from Marlene Dietrich to Franka Potente

The name Lola has become a durable signifier of a specific mode of female sexuality and desire. Beginning with Marlene Dietrich in Joseph von Sternberg’s Blue Angel and running through more than twenty alternately German and international  films, the name Lola is associated with a pose and a persona that signify a cheerful, self confident and widely appealing sexuality. Lola brashly confronts the male gaze and insists on the legitimacy of her desire. As such Lola is to be distinguished from other representations and projections of female sexuality, in particular, those of the femme fatale and the tragic victim. In the cinematic tradition that bears her name, Lola doesn’t kill and Lola doesn’t die.

In this talk, I will explore the explicit dissociation of Lola and death in a handful of Lola films. In the Blue Angel, it may appear that Dietrich’s Lola Lola triumphs at the expense of the humiliation and death of Professor Rath, however the causality is weak and the engineer and executor of the latter’s decline is Kiepert, the troupe’s manager. In Max Ophuls’ Lola Montez, the director seems to represent a penitent Lola on the verge of death—closer analysis of the film, however, shows that Ophuls is intent on the crass contrast between Lola’s vigorous memories of a life intensely lived and the circus-like contortions of vulgar misunderstanding and prejudice. In Jacques Demy’s lyrical Lola, the name and the persona are mimetically bequeathed across three generations assuring, if nothing else, the continued existence of Lola. And in Run Lola Run, Franka Potente has three chances to wrench herself and her man from death. Through sheer force of will, she succeeds.